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沉浸式艺术成长史

时间:12-03 20:55 阅读:4700次 转载来源:电科技

摘要:沉浸式艺术成长史

如果你在艺术馆看到这样一个小便池,你会怎么想?

实际上,它代表着沉浸艺术展最重要的组成部分——装置艺术。

19-20世纪,经历过灿烂辉煌的西方绘画艺术开始进入瓶颈,绘画似乎已经无法再有革命性的突破。为了走出瓶颈,艺术家们开始了对新风格和技术的探索,我们所熟知的印象派、野兽派、达达主义、超现实主义,甚至照相机都诞生于那个年代。

就在所有新鲜的形式和主义激烈碰撞的时候,法国艺术家马塞尔·杜尚站在了世人的对面,提出了他的思考:“什么是艺术?艺术就只是这些了吗?”。

上图这个小便池,是二十世纪最伟大的艺术家之一,杜尚的著名作品:《泉》。

从《泉》诞生那天起到现在,无数人看到它仍然会觉得有些滑稽,尚未了解艺术的人也许还会觉得它“不可理喻”——但杜尚其实并不在乎《泉》到底会不会被定义为“艺术品”。

在这个作品里,小便池可以被任何东西替代,它可以是扭曲的易拉罐、破旧的手套、锈迹斑斑的水龙头——它是什么根本不重要,这只是杜尚向世界发问的工具。

他要问的是“艺术能不能成为刺激思考的工具?”这是杜尚被称为“当代艺术之父”的重要原因,也是当今我们能看到的装置艺术所遵循的理念。

“感觉即真实”

早期的沉浸式艺术展,是利用看似很简单的装置,打造出一个无限的、并不真实存在的空间。艺术家将它当做一个向世界发问的工具,而人们负责沉浸其中,寻找和体验转瞬即逝的答案。

虽说早在上个世纪,沉浸式艺术就已经不再是个概念了,但就像第一台计算机和现在的苹果笔记本之间的对比一样,沉浸式艺术从概念到具象化到真正具有表达能力也是本世纪才发生的事。

而中国沉浸式艺术的第一场雾,起在2010年时,北京798的UCCA(尤伦斯当代艺术中心)。

“炼金术士”奥拉维尔·埃利亚松和中国建筑师马岩松,像是流逝之物和存在之物间的碰撞。他们共同打造的“感觉即真实”沉浸式艺术展为中国的观众打开了一道大门。

马岩松在UCCA的大展厅设计了一个长近60 米的蜿蜒的空间,奥拉维尔· 埃利亚松用红、绿、蓝三基色组成 “荧光灯阵”,再用雾气充满整个空间。雾与三种灯光的色泽打造出的是一个人工光谱空间。观众真实的存在、活动与在自然界无法看到的光谱中,虚拟和现实的边界被模糊,人和虚拟融为一体。

“感觉即真实”是一个非常特别但仍旧遵守着秩序的装置艺术展,它拥有一个大而空的空间,没有具体的表达,甚至连具体的艺术品都没有,整个60米的蜿蜒空间本身就是艺术品。观众如果只用旁观者的视角观察的话,是无法获得刺激的。只有深入其中,只有成为整个艺术品的一部分。

这就是它遵守秩序的地方,遵循了杜尚提出的概念。在“感觉即真实”的背后,不在是艺术家的呐喊或低吟,而是对世界的疑问,目的是让观众沉浸其中,产生同样的疑问:到底什么才是真实?

像“感觉即真实”这样,以装置艺术为基础的沉浸式艺术展在随后的几年中有了极大的发展,其中最有代表性的作品之一就是日本艺术家草间弥生的“无限镜屋”。在这个充满梦幻色彩的小屋里,布满了光怪陆离的镜子和灯影,它们反射出色彩斑斓的光芒,就像浩瀚宇宙中的点点繁星,能够带给观众极有哲学意味的观展体验。

装置艺术在沉浸艺术展中获得了极大的发挥空间,不仅如此,沉浸艺术展也被装置艺术赋予了精神能量。但探索本身是不会停止的,VR因为其强沉浸感的优势,在此后的几年中,也成为了沉浸艺术展的重要组成部分之一。

“雨屋”

解剖学的发达造就了古希腊拥有极致美感的雕塑艺术,颜料管的发明让人类拥有了印象派,照相机的发明促成了摄影艺术的出现,而VR和沉浸艺术几乎是一天生一对。

2015年,VR在国内掀起的那场浪潮已是老生常谈,但我们只关注了南美洲亚马逊河流域热带雨林中的蝴蝶,却忽略了美国得克萨斯州的那场龙卷风。

梵高的画可以说是被VR化最多作品了,大量的艺术家选择了以VR或全景动画的形式表现《星空》、《夜间咖啡馆》等作品。国内有一著名的全景画作者“麦田里的草帽人”,将梵高著名的画作整合在一起,呈现了一个完整的,有声有色的梵高世界。

但实际上,真正龙卷风的起点是上海余德耀美术馆,就是轰动艺术界的“雨屋”。

“雨屋”是一个融合奇幻与真实的独特诗意空间,让观众体验到一场不被淋湿的倾盆大雨,也就是说屋顶在下雨,但是观众所到之处却没有雨。这个设计的成功是得益于隐藏在房间里的无数3D镜头。3D镜头会监测游客的实时运动情况并及时地上传给控制系统,系统再控制雨水避开游客。

2015年9-12月,《雨屋》在上海余德耀美术馆展出的这段时间,足足吸引了20多万人前去参观,甚至有观众愿意等待9小时,就为了淋那一场10分钟的雨。科技和艺术结合的力量让普通观众着迷,也让艺术家们着迷。

这类展览为观众带来了新鲜的体验方式,但想想当年的VR风,被吸引而来的观众,真的是为艺术而来吗?

由于那个可想而知的答案,全景视频或虚拟建模最终被艺术家们抛弃。

“印象莫奈”

几经探索,沉浸式艺术到底应该以什么方式呈现?身处于2018年的我们,似乎找到了答案。

要说今年最火的展览一定要提“印象莫奈:时光映迹艺术展”。

1895年,批评家布劳内尔写到:“莫奈的艺术,已经成为了自然本身。”这是一句再贴切不过的评价,莫奈一生所坚持的就是用画笔记录某一瞬间自己看到的东西。所以他的画作笔触粗糙,色彩间杂,他试图让草地、山峦、池塘、水雾、阳光、空气都成为一个整体。

所以如果要欣赏莫奈的画,不是要贴近看每一个细节多么精巧,而是去看他所呈现的、他眼中某个时刻浓烈的质感和印象。

在“印象莫奈”中,“秘密花园”展区以莫奈钟爱的“睡莲”为主题,360度大屏幕将观众包裹其中,仿佛被一片开满睡莲的水塘所环绕,微风吹过,片片涟漪带动着整朵花的颤动,是水的低吟、花的微笑、雾的亲吻和阳光温暖的手。不需要任何艺术知识,不需要任何言语的解释,在那一瞬间所有的人都能读懂莫奈。

“印象莫奈”不仅汲取了早期沉浸式艺术展强调精神内涵的特质,还融合了更多发展期间发现的高科技元素,最终形成了完成度更高的沉浸艺术展。

同样的原理也出现在上文提到过的奥拉维尔·埃利亚松最新的艺术作品“道隐无名”中。

该作品巧妙的利用天花板的镜像,整个空间打造成一半虚拟一半现实的场景,而整个艺术品,就像埃利亚松自己说的那样:“我只完成了作品的一半,另一半是由你们来完成。”

一语中的。所有沉浸式艺术展的目的不过就是用更多新鲜方式打造出一个半成品,而剩下的需要观众参与来完成。

在照相机出现之前,绘画艺术以学院派为主流,不管是人物还是风景,都以写实为主,极力模仿和还原现实世界。照相机的出现,撕裂了原本写实绘画的桎梏,艺术家们的画作一改从前的呆板,变得充满强烈的感情色彩。

在那时诞生了更加现代艺术的多个流派,也诞生了我们所熟知的摄影艺术。除了情感充沛的笔触表达之外,相机也成为了艺术家们记录美丽时刻的新方式。

VR的诞生,从技术的角度促进了沉浸式艺术展的发展,填充了沉浸式艺术展的空白,让它本身就足以称为“艺术品”。

这一切在不断印证一句话:

“艺术是人类生存后留下的唯一证据”

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